我認為鏡頭表演和一般演出的最大差異性在於「中斷」、以及「距離」，前者指的是表演內容會被分鏡切斷，所以表現情緒、情節、故事的連續並不是演員當下最重要的工作呈現；後者意指演員的一舉一動會因為選擇鏡頭敘事的方式而被縮得極小或極大，愈遠的鏡頭通常演員的動作並不須太費力（因為這表示那顆鏡頭的重點是演員以外的東西），但像是特寫的話，在４ｋ時代連毛細孔都會被看得一清二楚。
這次文章的重點想談談「中斷」這件事，也算是自我反省的一篇文章。
首先特別先說明：這裡的中斷指的是鏡頭表演的特性，而非演員就應該以不連續作為前提來做演出，依據我過往的拍攝經驗以及參考資料，在每個中斷的當下保持整個角色的連續性是我努力的方向，而保持角色的連續性是什麼意思呢？舉例如下：
角色Ａ下班疲累地回到家，打開房門發現家貓把潔白的衣服抓得破爛在地。
而分鏡是：
中景Ａ蹣跚的步伐→特寫鑰匙轉動門把→特寫Ａ開門表情→房間全景→局部雜亂角落切換→半身Ａ→貓咪舔手喵喵叫
如果沒有建構Ａ是什麼樣的人、做什麼樣的工作、常加班嗎、貓咪本來就皮還是超乖......那麼表演就會有無限的可能性。
可能是偶爾加班所以特別崩潰的A身心俱疲到家、打開門發現臭貓又耍皮→崩潰+無奈（如果是貓奴可能崩潰少一點是無奈多一點甚至發洩方式是吸貓）
常加班的Ａ回到家發現臭貓耍皮→十足厭世然後因為前男友留下的貓想起爛戀情→眼神死＋憤恨（如果是貓奴那可能還是吸貓）
當然，即使做了上述設定，表演還是會有一百種樣子，差別在於具不具體、與接下來的劇情是否緊密貼合。
所以了解鏡頭想說什麼，我認為這也是演員的工作，但這不應該是表演當下的工作，而是前置作業的內容。
回到自我反省的部分，這次的情況是：
長達五分鐘以上的大情緒長獨白，一鏡到底的演出。
阻礙：
1. 整個劇組沒有給演員獨立空間、光替也是請演員上場坐在那裏等技術組完備；
2. 鏡頭與鏡頭之間沒有空檔，技術組調整完之後立刻就要再來一次。
解法：自己爭取啊～！
反省：
首先不管是阻礙一還是二，我認為都要自己爭取，如果需要就應該提出來，不管怎麼樣，「被影響就是被影響了」，要想的事情只剩下「如何解決」。
我是一個會為自己爭取的人，但是當下我選擇以角色為重，不曉得是不是因為這樣，我沒有向劇組發聲，而是想要以自己的力量去忽視一切，但結果是我也忽視了自己的需求。
最不好的狀況就是認為自己沒有被好好地對待而產生不必要的情緒，這通常是無法入戲最重要的因素，也就是被現場環境所影響以至於出戲。
而自己沒有被好好對待的這件事，我自己深深地反省，雖然這似乎是一個非常理所當然的反應，但卻不健康，因為這裡面參雜了一種預設他人反應的想法，一旦低於自己期望就會擅自失望，長久下來這樣的念頭也許會大大阻礙了進步，我是這麼想的。
改善的方法是一旦進入工作狀態，則忽視所有他者的預設，因為這都不是當下最重要的事情，要入戲的唯一方法，就是捨棄掉除了當下戲劇內容以外的現實世界。
最後，這次我還遇到了另外一個情境：「第一次演出最自然」
這是導演在重複了五六顆鏡頭後給我的回饋，他最喜歡我第一次的演出。
獨白真的是非常困難阿，我總回想起國中時期的演講訓練，當時遇到非常好的老師，也許是他啟蒙了我對表演的認知，他打破我對演講的刻板印象，如何打從心底說出那句要說的話、如何感同身受、如何講台詞牢記於心並且在說出口時完全忘掉......這些直到現在的演員生活依舊受用。所以我認為之所以產生這個問題情境，起因就在於我沒有真正忘掉台詞。重複幾次後，我不再活在當下。那這個問題的解法也很單純，就是在前置時做好更萬全的準備、我自認並沒有徹底把故事吸收到我的心裡。
結語
除了上面的反省之外，我還對自己有了一個新發現，那就是沒有對手戲的負面情緒演出對我來說壓力相對其他所有形式大非常多，這份壓力得試圖去排解，不然就會形成演出的鐵壁～～～
期望下次的我，能更直接地從理解走到共感。
